La Cosa oggi conferma la sua grandezza: John Carpenter firma un trattato sul sospetto e sull’orrore cosmico che non ha eguali
Nel 1982, il pubblico scelse l’alieno buono che voleva tornare a casa (E.T.) e respinse con orrore quello che voleva nascondersi dentro di noi. Oggi, nel 2026, la storia ha emesso la sua sentenza inappellabile: La Cosa non è solo il miglior film di John Carpenter, ma è probabilmente il più grande horror fantascientifico mai realizzato. Rivederlo sul grande schermo o in alta definizione è un’esperienza che va oltre la semplice paura; è una discesa clinica e inesorabile nella paranoia umana.
La premessa, tratta dal racconto Who Goes There? di John W. Campbell, è ingannevolmente semplice: una base di ricerca americana in Antartide viene infiltrata da un organismo extraterrestre capace di assimilare e replicare perfettamente qualsiasi essere vivente. Ma Carpenter, abbandonando le atmosfere gotiche di Fog (1980) e lo slasher puro di Halloween(1978), trasforma questo spunto in un Kammerspiel apocalittico dove il nemico non ha volto, perché il nemico potresti essere tu
Rob Bottin e l’arte della deformazione
Tecnicamente, il film è un miracolo. Gli effetti speciali pratici creati dal ventiduenne Rob Bottin (che lavorò sette giorni su sette fino al collasso fisico) rimangono insuperati. In un’epoca satura di CGI immateriale, la “cosa” di Carpenter ha un peso, una consistenza umida, viscerale e disgustosa. La carne si strappa, le teste si staccano e germogliano zampe di ragno, le pance si aprono come fauci dentate.
Non è solo splatter: è surrealismo biologico. Carpenter e Bottin non volevano creare un mostro “credibile” in senso zoologico, ma un incubo in continua mutazione che riflette il caos. Ogni trasformazione è dolorosa e rumorosa, sottolineata da un sound design stridente che rende l’esperienza quasi tattile.
La Paranoia della Guerra Fredda (e oltre)
Il film è figlio della Guerra Fredda, ma la sua lettura della sfiducia è eterna. La base Outpost 31 è un microcosmo della società che crolla quando viene meno la fiducia nel prossimo. La celebre scena del test del sangue è un capolavoro di tensione registica e montaggio: un gruppo di uomini armati e terrorizzati, legati alle sedie, che aspettano di vedere il sangue del compagno reagire al calore. In quel momento, Carpenter ci dice che l’apocalisse non arriva con un’esplosione nucleare, ma con il dubbio che il nostro vicino non sia chi dice di essere.
MacReady e l’antieroe carpenteriano
Kurt Russell, nel ruolo di R.J. MacReady, offre una delle sue performance più iconiche. A differenza degli eroi d’azione classici, MacReady è un uomo stanco, cinico, che beve whisky per non pensare e che assume il comando solo perché è il più paranoico di tutti. La sua non è una lotta per vincere, ma per pareggiare. L’assenza totale di figure femminili nel cast accentua il senso di sterilità e aggressività repressa, creando un ambiente dove la vulnerabilità emotiva è bandita.
La musica del gelo
La colonna sonora di Ennio Morricone merita un capitolo a parte. Il maestro italiano, solitamente noto per le sue melodie liriche, qui si adatta allo stile minimalista di Carpenter (che componeva le musiche dei suoi film). Il risultato è un battito cardiaco elettronico, lento e ossessivo, che suggerisce un destino ineluttabile. La musica non commenta l’azione, ma congela l’anima dello spettatore, proprio come il clima antartico splendidamente fotografato da Dean Cundey.
Un finale nichilista
Il finale è la perfetta chiusura del cerchio tematico. Nessuna cavalleria arriva a salvare i sopravvissuti. MacReady e Childs (Keith David) siedono tra le fiamme della base distrutta, condannati a morire di freddo, scrutandosi a vicenda con sospetto. “Perché non aspettiamo qui un po’… e vediamo che succede?”. È l’apoteosi del nichilismo cosmico: l’umanità è insignificante, e forse la Cosa ha già vinto.
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